1. Las primeras obras de arte sacro de Guido Sgaravatti
Muchos críticos de renombre han emprendido el análisis de la obra del escultor Guido Sgaravatti, pero es especialmente interesante lo que escribió en 1969 el profesor Salvatore Maugeri con motivo de una exposición personal del artista veneciano en Bassano del Grappa (galería Punto Quadrato, 24 de mayo de 1969):
“Conozco a muchos escultores, jóvenes y mayores, a los que ni siquiera es necesario preguntar en qué academia y bajo qué maestro completaron sus estudios. El examen de sus obras muestra claramente los motivos y las maneras propias de Manzù o Marini, Minguzzi o Greco, Fazzini o Viani.
Guido Sgaravatti tuvo como maestro de academia a Emilio Greco, pero sus esculturas no revelan una ascendencia directa con las soluciones plásticas del maestro catanés.
Esto significa que Sgaravatti tiene su propia personalidad y su propia idea de la escultura, entendida como un medio para representar, con inteligencia y amor, al hombre y sus vicisitudes, la investigación de una tipología que sondea las mociones de la psique y las traduce a través de la elaboración de estructuras plásticas capaces de detener las actitudes, de indicar las razones secretas de una personalidad, su auténtico modo de ser y de no aparecer”.
En esa exposición no se presentó todavía ninguna escultura de tema religioso, definible como “arte sacro”, aunque un aura de sacralidad impregnaba las figuras y los retratos ya entonces.
Ese mismo año (1969), sin embargo, Sgaravatti participó en una exposición de la UCAI en Padua con una serie de dibujos sobre San Jorge y, de nuevo en una exposición organizada por la UCAI en 1971, recibió una medalla de oro de la Cassa di Risparmio por un cuadro sobre un tema muy querido para él, la Virgen con el Niño.
De nuevo en Padua, obtuvo una serie de primeros premios en concursos de arte sacro, comenzando en 1976 con el 16º Concurso Triveneto cuyo tema era la Natividad; le siguió en 1977 el primer premio por Paliotto d’altare (6º Salón de Arte Sacro – S. Rocco) y la codiciada medalla de oro del Presidente de la República Pertini por la obra ‘Madonna con bambino’ en el 7º Salón de Arte Sacro en 1979.
Entre sus obras destaca un cuidadoso diseño realizado en 1980 para las puertas de la catedral de Belluno; hay decenas de estudios, dibujos, bocetos y paneles a escala y a tamaño natural.
Fue este intenso trabajo de investigación el que anticipó y permitió la construcción, ocho años más tarde, del complejo monumental dedicado a Santa Eustoquia, que aún puede admirarse en la plaza Crisafulli de Mesina.
Este monumento consta de dos elementos: una estela cuidadosamente modelada a ambos lados y la figura de cuerpo entero del entonces Pontífice Juan Pablo II.
2. Portales de madera y bronce
La “Porta dei Fiaccolari” corona así un largo e intenso trabajo de investigación en el campo del arte sacro.
No hay muchas puertas de madera con paneles de bronce en el arte sacro italiano, entre otras cosas por los problemas que puede crear el agua de lluvia en los puntos de contacto entre la madera y el bronce.
Sin embargo, en comparación con las puertas más comunes de bronce, las de madera-bronce son más cálidas. En cambio, la puerta de bronce, por muy bien elaborada que esté, apenas evita una cierta sensación de “seguridad” que tiende a repeler al devoto.
Una portada de iglesia artísticamente elaborada es uno de los artefactos más desafiantes porque implica no sólo la solución de problemas plásticos, arquitectónicos y compositivos, sino también de carácter más sutilmente psicológico. Para los fieles, constituye el momento de la invitación a entrar o no entrar, el punto límite entre el “interior” y el “exterior” de la iglesia, con todas las implicaciones, no sólo físicas, que ello implica.
El éxito óptimo de un pórtico de madera-bronce requiere, además del trabajo del artista escultor, la colaboración eficaz de varios equipos de hábiles artesanos de la madera y el bronce, a los que el artista debe conocer, identificar y coordinar bien.
El trabajo del artista-escultor nunca puede consistir en ensamblar o mezclar su bronce con la puerta de madera de otros, sino en la unión sagrada de las partes.
Se necesitan docenas de personas capaces de concentrar simultáneamente todo su compromiso de conocimiento y amor por su trabajo en un solo propósito.
Por estas razones, la “Porta dei Fiaccolari” debe observarse como una obra colectiva, con Guido Sgaravatti, escultor, como principal responsable.
3. Saponara y la tradición del “Quadrittu”
Saponara es una pequeña ciudad a unas decenas de kilómetros de Mesina, a 180 m sobre el nivel del mar. Construido a principios del siglo XI, tuvo un periodo de esplendor en el siglo XVII. Sus principales monumentos arquitectónicos se remontan a esa época, generando un interés posteriormente potenciado por las tradicionales fiestas del 7 y 8 de diciembre.
Se dice que, hace varios siglos y probablemente en el 1700, los carbonarios (que vivían en el pueblo y trabajaban en las montañas vecinas, ricas en agua necesaria para la producción de carbón) descendieron al pueblo en protesta contra el clero y los señores locales, que, relegándolos al trabajo en las montañas y despreciando sus labores, se aprovechaban de su ausencia para excluirlos cada vez más de todos los actos religiosos.
Aquí, tras romper la puerta cerrada de la iglesia de la Inmaculada Concepción, se apoderaron del cuadro de la Virgen expuesto en el altar (el “Quadrittu”, un pequeño cuadro de madera que data del siglo XVI) y se lo llevaron en procesión con antorchas, en una procesión de protesta popular que pretendía afirmar la reapropiación autónoma del valor ecuménico y no cerrado de la religión católica, más allá de mezquinos intereses partidistas.
La reconciliación del conflicto entre los carbonarios y los grupos hegemónicos se logró más tarde con la devolución del cuadro a la iglesia, pero se mantuvo el derecho popular a una fiesta anual que, con el tiempo, precedió a la fiesta oficial de las clases dirigentes del clero y la podestá.
De ahí que, en el pueblo, la fiesta popular del “Quadrittu” preceda en un día a la fiesta oficial de la “Madonna Immacolata”.
La tradicional procesión de antorchas
Por ello, el 7 de diciembre, el alcalde y los notables de la ciudad siguen al “Quadrittu” en una sentida procesión popular.
Al día siguiente, 8 de diciembre, ellos mismos oficiaron la ceremonia, ceñidos con pañuelos y portando banderas, y con un espíritu comprimido, casi en penitencia de la culpa del cargo público.
La tradición del “Quadrittu” es muy sentida en el pueblo y representa tanto un elemento de cohesión de las masas como una salida para las tendencias opuestas.
La procesión de antorchas votivas se lleva a cabo con originales antorchas cilíndricas, especie de palos blancos de un metro y medio de longitud.
Las antorchas, según la tradición, se preparan remojando raíces secas de Saponaria gypsophila y largas fibras de lino. Esto forma el núcleo interno, que luego se enrolla sobre tiza de agarre para formar una cáscara protectora. Es necesario porque lo que puede parecer una inocente vela, libera, una vez encendida, una llama alta y mezquina, que resiste al viento y a la lluvia, pero gotea brea ardiente que cae sobre las manos, a veces desnudas, de los oficiantes. Y si la costra de yeso se estropea, hay que estar preparado para apagarla inmediatamente… ¡con un martillo!
Para la ceremonia, el párroco, vestido de negro, con capucha y guantes, lleva al “Quadrittu” a recorrer todo el pueblo.
Los participantes en la procesión de antorchas avanzan a lo largo de todo el recorrido, siempre y únicamente hacia atrás y empujando las antorchas detrás del “Quadrittu” que avanza, apoyado por el oficiante.
Los participantes se protegen del goteo de la ardiente brea con capuchas de lona negra y gruesas túnicas. También hay quienes descargan, en un nivel casi de juego, los viejos conflictos, dirigiendo intencionadamente el goteo de brea hacia los otros oficiantes amigos-enemigos, en primer lugar el propio sacerdote oficiante.
¡Pero eso, hoy, también forma parte del ritual!
Todos los portadores de antorchas están coordinados por un jefe de grupo que dirige el coro de gritos. La Virgen María es continuamente ensalzada al grito unánime de “¡Viva María!” y se reafirma el principio de la universalidad del sentimiento de lo sagrado.
Cada parada del “Quadrittu” está puntuada por una frase ritual más larga: “Non sulu li putenti (o “li signuri”) ma puro nui dicemu: viva Maria!” (“No sólo los poderosos – o “los señores” – sino también nosotros decimos: ¡viva María!”) Al principio, uno de los oficiantes simula simbólicamente la rotura de la iglesia con un gran clavo. Inmediatamente después, el sacerdote oficiante sale y levanta el “Quadrittu” en un palo largo que, a partir de ese momento, se convierte en el punto de apoyo ritual.
El grupo de portadores de la antorcha se desplaza hacia atrás y grita y marcha rítmicamente por todo el pueblo, seguido por la banda municipal, toda la población y toda la coreografía propia de las fiestas de los pueblos. Curiosamente, cuando la banda deja de tocar, el coro de gritos también se detiene y todos dejan de marchar.
4. La “Porta dei Fiaccolari” en Saponara (Messina)
El alcalde de Saponara, el Sr. Leone Saiya, tuvo el mérito de querer, instar y financiar la realización de esta obra, que podría fijar esta tradición en una obra escultórica para las nuevas puertas de la iglesia.
La parte de madera del pórtico, hecha de nogal nacional bien curado (de más de 12 años), está trabajada por secciones para evitar que la madera se desplace y fue realizada con la colaboración del CAMS de Arco (Trento).
El revestimiento de bronce está ligeramente separado del soporte de madera para evitar el temido estancamiento del agua de lluvia y fue cuidadosamente fundido por GI-TI-CUM de Sandrigo (Vicenza).
El portal, situado en la iglesia de la Inmaculada Concepción de Saponara (Mesina), del siglo XVII, mide 1 m de base por 3,84 m de altura y pesa aproximadamente diez quintales.
La frescura de la fundición, que utiliza el antiguo y tradicional sistema de cera perdida, se debe también a que todas las ceras fueron modeladas cuidadosamente por el artista, que siguió todas las múltiples etapas del proceso y no se limitó a la ejecución del modelo.
Los cuatro paneles de la Porta dei Fiaccolari
En cuanto a la iconografía, la obra se sale de los patrones habituales de obras similares.
Los dos paneles superiores de la Anunciación y el Ángel se mantienen en la tradición. Las inferiores, en cambio, se caracterizan por esa adhesión a la vida cotidiana propia de los tiempos en que la relación entre la vida y la fe era sentida y constante.
Abajo a la derecha tenemos el panel con los portadores de la antorcha y a la izquierda vemos la banda y la participación del pueblo.
De los cuatro paneles, el de los portadores de la antorcha es probablemente el más sentido y el más bello.
Aquí el artista ha mezclado hábilmente lo sagrado y lo profano en una composición armoniosa de personas y objetos (oficiante y portadores de antorchas, “Quadrittu” y antorchas); el deseo popular de reapropiarse, de manera no violenta, de lo sagrado para un sacrificio que podría seguir siendo ecuménico y oficiado y, como tal, no de contenido dramático sino eucarístico.
El espíritu que impregna la obra nos reconecta con la atmósfera de las representaciones de Artes y Oficios típicas de los portales románicos.
Artísticamente, hay que destacar la fuerza que adquiere el relieve, tanto por su proyección como por el juego que se consigue entre el bronce y la madera que también aparece dentro de los paneles individuales, entre los perfiles de las figuras.
Como el voladizo es de más de diez centímetros sobre figuras de unos noventa de altura, el relieve aparece muy alto, casi en su totalidad, lo que confiere al conjunto de la “Porta dei Fiaccolari” una plasticidad que lo hace especialmente apropiado para su instalación en una iglesia del siglo XVII.
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Antonio Sgaravatti
Marta Fornasiero
Sgaravatti Trend Staff
